Aprovecho la coyuntura del reciente estreno de Estudio Teatral La Chinche para conversar sobre teatro con una pedagoga y creadora incansable. Es un placer tener la oportunidad de entrevistar a Lizette Silverio, quien fue mi maestra en el ISA y la directora de la Escuela Nacional de Teatro en mi época de estudio.
Algo que me ha fascinado en esta charla es conocer la compleja y rigurosa formación que has tenido y cómo, a lo largo de tantos años de trabajo como profesora y directora, sigues dando prioridad a tu superación, al enriquecimiento de tanto conocimiento y sabiduría que posees ya como mujer de teatro.
Esa necesidad constante de intercambio, la procuras siempre con grupos o directores con los que compartes tu visión del teatro ¿o te nutres también de otras poéticas? ¿Crees más en la consolidación de una visión sobre la interpretación, o apuestas por la duda que te lleve a replantearte tu propio método?
Yo creo que a lo largo de la vida, cuando uno estudia y se va formando, siempre a partir de los referentes y de las vivencias que vamos adquiriendo, uno crea preferencias que van determinando el gusto estético. He seguido desde joven el trabajo de muy buenos grupos, entre los que estaba Teatro Estudio, Irrumpe, El Buscón, Teatro Político Bertolt Brecht, por solo mencionar algunos. Todos protagonistas de fuertes movimientos teatrales, con propuestas muy variadas de diversos directores, con diferentes maneras de hacer y crear. Pero siempre sentí una especial empatía hacia el trabajo que hacían Roberto Blanco y el teatro de Berta Martínez. Eran los directores que más satisfecha me hacían sentir cuando veía sus puestas, y eso, indiscutiblemente, me acompaña. Siempre he tenido por costumbre ver todo lo que está en cartelera, dentro de las posibilidades del tiempo y de lo difícil que se hace, sigo apostando por asistir al teatro.
Luego, uno se va acercando a lo que sería una visión particular para interpretar y expresar, pero no creo que me haya trazado una línea específica. Yo estuve muchos años solo en la docencia, y eso me permitió estar más involucrada en el trabajo del actor, y de una manera u otra así comencé a enfocar el grupo. Es un grupo estudio, donde se imparten clases de danza, clases de canto, donde entrenamos constantemente, y realizamos una investigación particular de acuerdo al texto y a la manera que queremos enfocar el trabajo. Y creo que sí, que a lo largo de las diferentes puestas en escena que hemos ido desarrollando, tanto para niños como para adultos, las obras y mi trabajo de dirección, van cogiendo un camino que parece, es mi manera de hacer, crear, elaborar. Mi manera de llevar de la mano el trabajo del actor, de componer en el espacio, de trabajar con sus cuerpos; si pudiera hablar de método, sería de eso que, en el día a día, ha ido surgiendo por sí mismo. Porque las obras lo van necesitando y lo va necesitando uno también.
¿Qué puntos de encuentro ves entre la docencia y la dirección artística, y qué diferencias? ¿Cómo llevas a la par ambos roles, manteniendo los diferentes objetivos de cada espacio?
Bueno, creo que sí, creo que la docencia y la dirección artística tienen puntos en común, y yo te confieso que me gusta mucho más dar clases. Disfruto mucho estar en el aula. Ese proceso directo con el actor y su formación me apasiona. Poder ver todo el proceso, desde que comienza con silencio orgánico, después el tránsito que va haciendo por los diferentes tipos de teatro, los diferentes autores, cómo varían los objetivos a cumplir en su desarrollo con los diferentes personajes y complejidades en ellos; eso lo disfruto mucho. Claro que esto tiene muchos puntos en común con el trabajo de un director artístico; y es que yo cuando dirijo apuesto siempre en primer lugar por el resultado del actor. Incluso cuando voy a ver una puesta en escena, disfruto que el actor esté bien. Me gusta percibir que su cuerpo y su voz están entrenados, que todo resulte un trabajo orgánico; que trabaje una caracterización de personaje, teniendo en cuenta los comportamientos, el entendimiento de las acciones y la relación con los otros personajes. Y estos aspectos son de suma importancia sedimentarlos en su formación porque luego se completa en el trabajo profesional. Los actores son el principal material con que cuenta un director para narrar.
Desde que formé el grupo creo que ese apego a la docencia se ha convertido por momentos en mi mayor dificultad, porque no siempre estoy muy atenta de cuándo debo detener un poco la mirada en el actor y ocuparme de engranar todos los aspectos que conforman la puesta. Está la dramaturgia que debe ser plasmada y los diferentes lenguajes que contribuyen y enriquecen, como el diseño de la música, el vestuario, la escenografía, las luces. Pero como todo esto al final tiene que ver con el actor-personaje. Entonces yo en mi grupo sigo trabajando como una maestra, porque así lo veo y lo siento. Es una relación de ambos roles que, sin proponérmelo, pone un sello en mi trabajo, y que teniendo claro también las diferencias que existen, no resulta para nada un impedimento, sino todo lo contrario.
¿Cómo manejas en estos tiempos difíciles las dificultades para producir y hacer arte, te impulsan o te desalientan? ¿Te consideras una persona dependiente de la creación, para lograr un equilibrio en tu vida, o puedes deslindar ambas cosas?
Estos tiempos nos tienen de la mano y corriendo a todos. Nosotros tenemos una sede aquí en el espacio que bondadosamente nos ha prestado Alexis Leiva Cacho, el artista plástico. Y no solo nos permite ensayar, sino que también nos apoya siempre en cada producción, mi agradecimiento siempre para él. No es fácil para mis actores llegar cada día hasta el paradero de playa, yo gracias, por alguna vez me tenía que tocar, vivo cerca. Pero la producción de este texto tan maravillosamente complejo que estrenamos ahora, ha sido por completo de nuestro bolsillo. La realización de la escenografía y el vestuario, todos los materiales, todo lo hemos costeado nosotros, reuniendo lo que podemos y lo que no. De esa manera hemos sacado adelante esta obra, porque todos estamos enamorados de ella. Tratando de mantener juntos el entusiasmo ha sido la forma que hemos encontrado de sobrevivir a estos momentos terribles.
Y creo que estar trabajando, estar creando, me mantiene en equilibrio. Muchas veces cuando terminamos el ensayo, vamos a mi casa a tomarnos un café, y por el camino no paramos de hablar de la obra. Conversamos del trabajo del día, de las cosas que faltan por lograr, llegamos a mi casa, se planta la cafetera y continúa la tertulia productiva. Realmente no tengo descanso, siento que me cuesta mucho trabajo, cuando estoy en un proceso, separarlo de mi vida. Incluso mientras hago las labores cotidianas de la casa no paro de pensar, ya sea en aspectos más prácticos de la producción o pensamientos más abstractos sobre el trabajo artístico, es una vorágine que me absorbe.
Marcela García Olivera, actriz y directora cubana. Formada en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte, su influencia va más allá de los escenarios. Además de su destacada labor en la Compañía Teatral Hubert de Blanck, donde ha dado vida a diversos personajes en obras de renombre, Marcela también comparte su conocimiento como profesora en el Instituto Superior de Arte. Ahora, al unirse a nuestro equipo en CubaActores, su perspectiva actoral aportará una visión única y novedosa. Con su estilo natural y empático, cautivará a la audiencia y ofrecerá una lectura enriquecedora, especialmente para los amantes de la actuación.
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